Mineral

Elizabeth Jobim

De 18 Mai a 29 Jul 2012

Sobre a artista

Pintora, desenhista e gravadora, Elizabeth Jobim inicia sua produção nos anos 1980, década em que realiza estudos de desenho e pintura com Anna Bella Geiger, Aluísio Carvão e Eduardo Sued, no Museu de Arte Moderna (MAM) do Rio. Conclui Comunicação Visual na Pontifícia Universidade Católica (PUC) do Rio de Janeiro, onde também cursa, em 1989, pós-graduação em História da Arte e Arquitetura. Em 1992, conclui mestrado em Belas Artes na School of Visual Arts de Nova York e, em 1994, leciona desenho e pintura na Escola de Artes Visuais (EAV) do Parque Lage.

A obra de Elizabeth Jobim tem origem na observação de pedras que dispõe sobre a mesa do ateliê e, em seguida, transforma em desenhos ou pinturas sobre papel. Suas referências vão de Iberê Camargo, Philip Guston e Morandi a Willys de Castro, Lygia Clark e Amilcar de Castro. Realiza as primeiras mostras nos anos 1980, integrando, por exemplo, a histórica “Como vai você, Geração 80?”, no Parque Lage, em 1984. Na década seguinte, segue expondo desenhos e pinturas em que retoma o gênero de naturezas-mortas, resultado da observação das pedras no ateliê. Seus traços irregulares e linhas de espessura pouco comum em desenho geram a sensação de volume. “Todo o meu percurso tem essa dialética entre desenho e pintura. Inicialmente eu fazia trabalhos sobre papel que eram bem pictóricos, como nos anos 1980 e 1990. Depois, quando comecei a pintar com o rolo sobre a tela em 2004, minha pintura ficou muito gráfica. Havia apenas uma cor sobre o branco e a linha com diferentes espessuras, elementos que são do desenho”, diz a artista em entrevista concedida a Taísa Palhares para o livro sobre sua obra (editora Cosac Naify, 2015).

A partir de 2008, a pintura de Jobim ganha mais elementos com volume e, desde então, é como se o suporte estivesse num contínuo desprendimento da parede. Em 2013, ela apresenta a individual Blocos, no MAM do Rio de Janeiro, distribuindo blocos de cores em 400 metros quadrados do museu. Já em 2014, cria a série Parede, em que objetos e telas de diferentes espessuras e tamanhos são dispostas em conjunto numa parede.

Entre suas mais importantes exposições, estão Blocos (2013), no MAM do Rio de Janeiro, Em Azul (2010), na Estação Pinacoteca de São Paulo, e Endless Lines (2008), na Lehman College Art Gallery, em Nova York. Participa da coletiva Art in Brazil (1950-2011), no festival Europalia, em 2011, em Bruxelas, e da 5ª Bienal do Mercosul, em 2005.

 

Mineral | Felipe Scovino
Escrever sobre os legados do neoconcretismo na arte brasileira tem sido uma constante nos últimos anos. Temas como arte e vida, geometria sensível e organicidade viraram recursos infalíveis desse atravessamento temporal e estabeleceram um modelo para a passagem entre modernidade e contemporaneidade nas artes visuais brasileiras. Afora os ruídos dessas categorias, a obra de Elizabeth Jobim ressalta o melhor desse diálogo entre neoconcretismo (ou as linguagens construtivas brasileiras) e as produções artísticas posteriores. Enquanto no neoconcretismo, o vazio constituía-se como volume das obras e transmitia, entre outros estatutos, uma qualidade de corpo às formas, ou pelo menos uma disposição de diálogo mais efetivo e afetivo com o mundo – se pensarmos, por exemplo, nas obras de Amilcar de Castro, Lygia Clark, Sergio Camargo e Willys de Castro que por sua vez estabelecem um diálogo fecundo com Jobim -, na mais recente série de obras de Jobim, essa pesquisa ganha continuidade e desvios: o vazio torna-se dispositivo para a fabricação de lugares ao mesmo tempo em que há um duplo movimento nas suas obras. Das telas ao ganharem volume e buscarem incessantemente um lugar no mundo; há uma certa insatisfação em serem apenas representações bidimensionais. O que está diante de nós são quartos, ambientes, salas, portas e toda a sorte de espaços arquitetônicos. Em determinados momentos por meio de uma experimentação com distintas qualidades de tinta e cor, Jobim consegue chegar a uma superfície brilhante na qual o nosso corpo finalmente invade aquele espaço. Nesse processo de espelhamento, nos vemos habitando aquela casa. O tamanho antropomórfico das telas e o fato de estarem muito próximas ao chão dialogam com a ideia desses espaços convocarem uma presença, de quererem ser preenchidos.

O segundo movimento é o do corpo do espectador ao investigar os deslocamentos, torções e passagens que suas obras nos revelam ao tornar aparente o seu interesse pelo intervalo, pelo espaço entre os módulos, por uma fresta que não é tão somente o espaço que divide as telas mas uma linha que assume a fratura como índice para o corpo. É o vazio assumindo a sua condição de parte integrante da obra e por conseguinte inventor de lugares. Como partes constituindo um todo, temos a ilusão de que construímos incessantemente esses espaços porque eles nunca terão formas definitivas, apesar de rigorosamente acabados no interior da razão em que foram pensados.

Fora o fato da obra de Jobim ter estreita ligação com as linguagens construtivas e com a história da pintura, sua pesquisa iniciou-se a partir de desenhos tendo as pedras como modelo. É curioso e compreensível o fato da artista operar ao mesmo tempo um dado secular da história da arte (a natureza-morta) e transformar a experiência de ver e exercitar volumes de um elemento inorgânico em criação de linguagem e afeto, isto é, em como aquela forma pintada sobre a tela que venhamos a identificar como corpo tem sua origem no que há de mais concreto, bruto e ao mesmo tempo transitório, que é a própria natureza. A obra parece questionar até que ponto ela é abstrata. Jobim está interessada nas dualidades, nos estados contínuos de mudança e fundamentalmente em tornar visível esses movimentos/imagens quase imperceptíveis.

Se em séries anteriores, era a tinta que invadia as laterais da tela marcando essa ?quebra da moldura? ou o desejo da linha em perseguir o espaço além de uma bidimensionalidade assim como o mesmo movimento podia ser observado na fratura entre as telas, ou ainda no branco/vazio que era o pano de fundo para a aparição de um grafismo arquitetônico que em vários momentos absorvia um signo da cidade (o jogo de azulejos e o calçamento, por exemplo), agora sua nova série diminui os espaços vazados mas não o seu dado fenomenológico, isto é, a sua capacidade de a partir de uma economia de elementos ou um mero gesto desarticular as certezas sobre o visível e inventar jogos de percepção que nos faz mergulhar em uma imprecisão sobre os nossos sentidos. Da mesma forma que o espaço está sendo experimentado, o mesmo acontece com a cor. Em um processo de seguidas camadas, o vermelho adquire uma cor de ferro, ou o azul que depois de um incessante processo de artesania transforma-se em um roxo. Os espaços construídos pelas telas não querem ser facilmente identificados pois transitam em um território que fica entre o real e o imaginário. Jobim sustenta a ?natureza primária da arte?: permitir que a obra seja um eterno enigma.

 

Felipe Scovino é professor da Escola de Belas Artes da Universidade Federal do Rio de Janeiro e também atua como crítico de arte e curador.